Curso dictado por Sergio Zadunaisky y Edith Russo.
“No quiero necesitarte…porque no puedo tenerte”(Robert Kincaid, el personaje encarnado por Clint Eastwood en Los puentes de Madison)
Pese a ser, cuantitativamente, -y junto a la comedia-, el más amplio y variado de los géneros cinematográficos, el melodrama (o “melo”, como también se lo conoce) sigue siendo el que disfruta de un menor prestigio entre el público, e incluso entre muchos estudiosos. La dificultad de definirlo, de acotar sus límites y variantes, así como su vinculación con las formas más degradadas de la literatura y los espectáculos populares, han contribuido a que melodrama sea el término con que se designa de manera perezosa a muchos filmes pertenecientes a un modelo fílmico difuso y lleno de zonas opacas, por lo que su sentido ha terminado de diluirse y vaciarse. Retomar sus orígenes dará lugar a un recorrido que se inicia en la tragedia griega, pasando por la ópera que musicaliza el deseo, para llegar al drama y su puesta en escena con su forma Melo.
“Los viejos sueños eran buenos sueños. No se cumplieron, pero me alegro de haberlos tenido”. (Francesca Johnson, el personaje de Meryl Streep en Los puentes de Madison).
Sin embargo, lo melodramático se presenta como uno de los sistemas más interesantes y poco estudiados – sobre todo en el ámbito de habla castellana – de la expresión fílmica; rara es la película que no esté impregnada de su emocionante iconografía, de su hiperbólica dramaturgia, de sus estructuras narrativas o de su densa puesta en forma. El cine, desde sus orígenes, ha elegido el melodrama como el vehículo más apropiado para hablar del deseo, la infelicidad, el dolor, el sacrificio y la melancolía. Representación de los sentimientos, género de géneros, el melodrama aparece así como un apasionante campo de estudio no solo sobre la propia naturaleza del cine, sino sobre la complejidad del alma humana tejidapor el deseo y el destino, como coordenadas del saber hacerse. La pasión y la posibilidad o no de la renuncia, como riesgo de vivir una historia que entrame la potencialidad que está en cada persona. El riesgo de sostener lo propio, y el precio que esta posición conlleva en el marco socio cultural.
En este curso nos proponemos acercar al espectador el lenguaje del cine melodramático, estudiando sus principales características y grandes autores. Comenzaremos por una somera introducción al género en nuestra primera clase, para centrarnos luego en tres de las películas más representativas del melodrama, relacionadas entre sí por su historia central, el amor condenado por los prejuicios sociales.
Nuestro enfoque será desde lo cinematográfico (contexto histórico de las películas, relación del director con el género. Forma y estilo, puesta en escena) y lo temático (acciones, deseos y función de los personajes, análisis de su problemática social e histórica).
Se sugiere ver las películas antes de cada una de las clases, ya que no se exhibirán en forma completa.
El curso consta de 4 clases, los miércoles de febrero de 20 a 22 horas en Cabildo y Pico (la dirección exacta se le dará solo a aquellas personas inscriptas).
El melodrama y lo melodramático, modelos de cine popular.
El melodrama: radiografía de la búsqueda de la felicidad en el ser humano.
El deseo suspendido.
Los ideales.
Los diferentes finales propuestos por el génerocomo modelos para la resolución de la conflictiva subjetiva. Su relación con los modelos socioculturales vigentes.
Reglas compositivas de la puesta en escena del melodrama clásico hollywoodense.
El melodrama desde el cine clásico a nuestros días.
La mezcla de géneros: El melo junto al western y el film noir
Películas citadas: El suplicio de una madre (Michael Curtiz, 1945), Duelo al sol (King Vidor, 1946), Carta de una desconocida (Max Ophuls, 1948), Cautivos del mal (Vincente Minnelli, 1952), Tacones lejanos (Pedro Almodóvar, 1991), Los puentes de Madison (Clint Eastwood, 1995), Con ánimo de amar (Wong Kar-Wai, 2000)
Clase 2
Lo que el cielo nos da (All that heaven allows, Douglas Sirk, 1955)
Sinopsis: Una viuda de buena familia inicia un romance con su apuesto jardinero. A pesar de pertenecer a dos mundos completamente diferentes deciden casarse, pero su amor se encuentra con el rechazo de los hijos de la mujer y de su círculo social.
Temas a tratar sobre la película:
Una mujer sola y el impacto en su medio social.
La sexualidad cuestionada.
La función de la amistad y la envidia en la feminidad.
Los hijos.
Los ideales.
Clase 3
La angustia corroe el alma (Angst essen Seele auf, Rainer W. Fassbinder, 1974)
Sinopsis: En un café al que acuden los trabajadores inmigrantes, Emmi Kurowski, viuda de unos sesenta años, conoce a Salem, marroquí treintañero. Inducido por la dueña del bar, Salem invita a Emmi a bailar con él, le habla, le acompaña a casa y, al día siguiente, se instala en casa de Emmi. Su unión suscita el escándalo, y las vecinas denuncian a la mujer al propietario del edificio…
Temas a tratar sobre la película:
Cuando la soledad no se elige ni se inventa.
El encuentro en las diferencias.
La función de una historia de amor.
Del destierro de Edipo a la marginación social.
Clase 4
Lejos del paraíso (Far from heaven, Todd Haynes,2002)
Sinopsis: Durante los años cincuenta, una acomodada ama de casa de Connecticut, con su vida aparentemente asentada y programada según los cánones y etiquetas de la sociedad y el modelo de familia americana, se enfrenta a una crisis matrimonial y a un mundo exterior donde se deben limitar las emociones. Un mundo donde las fronteras entre racismo y tolerancia sexual no permiten ser cruzadas.
Temas a tratar sobre la película:
El camino de los ideales al deseo.
Duelar lo que no se ha sido.
Encontrarse con lo que se es.
La aceptación de las diferencias y la renuncia a la completud.
Curso sobre el cine de Woody Allen: Manual para la comprensión de un neoyorkino neurótico
WOODY ALLEN nació en el barrio del Bronx, en la ciudad de Nueva York, el 1 de diciembre de 1935. Tras ser rechazado por las universidades de Nueva York y el City College inició una carrera como escritor para humoristas de televisión hasta que, animado por sus amigos, productores y, entonces agentes, Jack Rollins y Charles H. Joffe, comenzó a escribir para él mismo, convirtiéndose en un humorista renombrado. En 1964 escribió su primer guión para el cine, ¿Qué hay de nuevo, Pussycat? En 1969 escribió y protagonizó su primera película como director, Robó, huyó y lo pescaron.
Desde que en 1977 consiguiera el Oscar a la mejor película por Annie Hall realiza prácticamente una película al año y, a veces, incluso más de una, lo que, junto a la calidad de sus obras le ha convertido en un fenómeno cinematográfico único en el mundo durante las tres últimas décadas.
Sus películas, atravesadas por múltiples referencias a la filosofía y al psicoanálisis, no excluyen ecos del cine de Búster Keaton, los hermanos Marx, Ingmar Bergman y Federico Fellini, o de escritores como Fedor Dostoievsky y Antón Chejov. Su ecléctica carrera como director incluye historias cómicas (El dormilón, Bananas), falsos documentales (Zelig), musicales (Todos dicen te quiero), obras de cámara (Interiores),thrillers (Misterioso asesinato en Manhattan) y hasta ensayos sobre la condición humana como Crímenes y pecados (quizás su mejor película) o Match Point.
Dinámica del curso
En este curso de cuatro clases analizaremos sus diferentes etapas como realizador, deteniéndonos en los aspectos formales y temáticos más relevantes de sus mejores filmes. Se analizarán por encuentro dos películas y se verán fragmentos de obras de directores relacionados, además del documental Woody Allen, a life in film. El cronograma es el siguiente:
Programa
Clase 1
Los comienzos, las comedias puras y el homenaje al cine mudo. El absurdo llevado al delirio. El guiño cómplice a Groucho Marx.
-Robó, huyó y lo pescaron (1969)
-El dormilón (1973)
Clase 2
La influencia de Bergman y Antonioni. La autocompasión como estilo de vida. Annie Hall: Una película “bisagra”. New York, la ciudad amada para un cineasta urbano. La mezcla entre la vida privada y los personajes de ficción.
-Annie Hall (1977)
-Interiores ((1978)
Clase 3
Dios; ¿estás ahí? La diferencia entre “fantasía” y “realidad”. El mundo de Chejov y la novelización del cine.
-La rosa púrpura del Cairo (1985)
-Hannah y sus hermanas (1986)
Clase 4
Los ojos de Dios. El deseo y la culpa. La vida, ¿favorece a los justos? La cruel indiferencia del Universo. La vida matrimonial en tono documental.
-Crímenes y pecados (1989)
-Maridos y esposas (1992)
Se pide a los participantes que en lo posible vean las películas antes de cada uno de los encuentros, ya que de las mismas se verán solamente algunas escenas para su análisis.
Fecha de inicio
Martes 9 de febrero a las 19 horas en la librería Crack-Up, Costa Rica 4767. Palermo.
Amor sin escalas (Up in the air, Jason Reitman, 2009)
La vida tomada como un no lugar
Un “no-lugar” es un término arquitectónico creado por Marc Augé para designar esos lugares en donde no hay identidad, ni vínculos directos entre el que lo ocupa y el lugar mismo. Un espacio donde se es anónimo, donde nada afecta al individuo.
Según Marc Augé,“Si un lugar puede definirse como lugar de identidad, relacional e histórico, un espacio que no puede definirse ni como espacio de identidad ni como relacional ni como histórico, definirá un no lugar. La sobremodernidad es productora de no lugares, es decir, de espacios que no son lugares antropológicos y que no integran los lugares antiguos: [lugares de memoria].”
- Los espacios de circulación: autopistas, áreas de servicios en las gasolineras, aeropuertos, vías aéreas…
- Los espacios de consumo: super e hipermercados, cadenas hoteleras
- Los espacios de la comunicación: pantallas, cables, ondas con apariencia a veces inmateriales.
EL VÉRTIGO DE LA SOBREMODERNIDAD: “NO LUGARES”, ESPACIOS PÚBLICOS Y FIGURAS DEL ANONIMATO (Adolfo Vásquez Rocca)
Todos, también, hemos estado solos en algún aeropuerto, en ese terminal de una red inmensa e indeterminada de flujos que se mueven y se mezclan en todas direcciones, en esa situación de tránsito tan propio de los no-lugares, se experimentan ciertos estados de gracia posmodernos como el del viaje, cuando en lugar de estar nos deslizamos, transcurrimos, sin afincar nuestra identidad ni tener que comprometernos más allá de dos horas. Aquí, en estos nuevos espacios de indefinición, donde el tiempo se extiende como goma de mascar advienen nuevas y extrañas enfermedades como las cronopatías –derivadas del abrupto cambio de husos horarios no asimilables a los ciclos biológicos. Este extraño personaje, el viajero, nunca está, ni nunca estuvo realmente en un sitio, sino que más bien se traslada, se desplaza, él mismo es sólo ese tránsito que efectúa y en el momento justo en que lo efectúa.
Curiosamente el pasajero de los no lugares sólo encuentra su identidad en el control aduanero. Mientras espera, obedece al mismo código que los demás, registra los mismos mensajes, responde a las mismas apelaciones. El espacio de no-lugar no crea ni identidad singular ni relación, sino soledad y similitud.
El título en castellano puede llamar a engaño y hacernos pensar que estamos ante una comedia romántica, “Amor sin escalas” no es el nombre más feliz para reemplazar a “Up in the air”, título que hace justicia a la historia que se nos narra.
Ryan Bingham (George Clooney) es un viajero consumado. Su trabajo lo mantiene en el aire más horas de las que está en tierra. Su espacio es el no-lugar (en un momento la compañía en la que viaja lo premia como pasajero VIP al haber alcanzado un millaje de vuelo extraordinario, y cuando el capitán se acerca a felicitarlo, conversa con él y le pregunta de dónde es, Ryan responde: “De acá, yo soy de acá”).
Sin compromisos afectivos, habiendo roto los lazos familiares y manteniendo relaciones ocasionales con las mujeres, Ryan es un viajero sin lastre, sin mochila, como el mismo suele aconsejar a quienes lo escuchan en sus múltiples conferencias. Su trabajo es un trabajo “sucio”, desagradable, ése que ninguna compañía quiere hacer, contarle a la gente que la empresa “ha decidido prescindir de sus servicios”, que han quedado afuera del sistema.
DENTRO y FUERA
La noticia debe ser dada como algo positivo, la nueva oportunidad (en un juego que de azaroso no tiene nada y en el cual el individuo, luego de años de trabajo y de esfuerzo, es arrojado a la calle), con supuesta chance de rehacerse y encontrarle un nuevo sentido a su vida.
Son épocas de despidos masivos y de condiciones laborales cuasi-infrahumanas (recordemos el caso de Telecom en Francia, donde una treintena de empleados se suicidó o intentó hacerlo`dadas- sus condiciones de trabajo). Épocas donde lo virtual tiene más peso que lo real y donde la persona pierde identidad.
VÍNCULOS
En un momento Ryan encuentra una mujer con la que parece que algo puede ser diferente y reestablece el vínculo con su familia cuando una de sus hermanas le pide que asista a su casamiento. (Es significativa y nada caprichosa la idea de que esta hermana le solicite que con una gigantografía de la foto de ella con Jim, su novio, saque fotos de ellos con los diversos fondos de las ciudades que él va visitando, ya que el dinero de la luna de miel lo están guardando para un emprendimiento).
Los vínculos parecen afianzarse, pero las cosas no son fáciles. A Ryan también le han puesto de prepo a una especie de nerd, una chica que se acercó a su compañía con una idea renovadora, despedir a la gente de manera virtual, dialogando a través de una computadora. Las razones esgrimidas, bajar costos. Ryan, cuya vida es un viaje permanente, toma la noticia con desagrado. Él necesita seguir viajando. La virtualidad lo dejaría en tierra, sin posibilidades de volar. O sea, sin posibilidades de vivir (o con el riesgo de tener que enfrentarse con el mundo real).
No estamos ante una comedia, más bien ante una película que con humor sardónico dibuja el panorama de las relaciones y los vínculos hoy día. Nada complaciente (el final poco consolador así nos lo dice), “Amor sin escalas” propone, con mirada entre cómplice y distante, el retrato de un mundo en descomposición.
El 2009 en Dale Cine + Proyectos y deseos para el 2010
En el 2009, Dale Cine te ofreció proyecciones, cursos y cine-debates. Juntos vimos y discutimos, entre otras, “Hablame de la lluvia”, “Vicky Cristina Barcelona”, “Entre los muros”, “La ola”, “Los abrazos rotos”, “Si la cosa funciona”, “Río congelado” y El árbol de lima”.
También aprendimos sobre aspectos del lenguaje cinematográfico en nuestros talleres ”Qué es el cine”, “El cine y la pintura” y “Las ciudades en el cine” y en los cursos de directores, analizando las obras de Pedro Almodóvar, Alfred Hitchcock, David Lynch, Federico Fellini, John Cassavetes, Ingmar Bergman, Nuri Bilge Ceylan, Werner Herzog y Francois Truffaut.
Nos convocaron distintos grupos académicos, entre ellos, profesores de la Facultad de Arquitectura de la UBA y profesionales del Hospital de Niños.
Dale Cine ya está pensando para el 2010 nuevas propuestas para que disfrutes del mejor cine y los grandes directores de la historia. Habrá cursos sobre Luchino Visconti, Francis Coppola, Michelangelo Antonioni, Martin Scorsese y Eric Rohmer. También, realizadores que son clásicos de Dale Cine: Luis Buñuel, Federico Fellini, David Lynch, Tim Burton y los hermanos Coen.
Además, ofreceremos talleres con los siguientes temas:
- ”De Bela Lugosi a Ingmar Bergman: Drácula, vampiros y el vampirismo en el cine”
- “Eso no se muestra, eso no se dice: la censura en el cine”
-”El Cine Negro: de los grandes clásicos a El silencio de los inocentes y Pecados Capitales”.
Ahora, además del barrio de Belgrano y Palermo (librería Crackup), sumamos a San Isidro (La Boutique del libro). Y ya contamos con varios grupos en casas particulares (si tenés un grupo de amigos, no dudes en consultarnos para que Dale Cine vaya a tu casa).
FEDERICO FELLINI,POESÍA Y EXCESOS DE UN GRAN MENTIROSO Curso de cine dictado por Sergio Zadunaisky
Histriónico, imprevisible, tierno, sensible, ingenioso, mordaz… son solo algunos de los adjetivos con los que se ha definido al maestro Federico Fellini. Creador de un universo cinematográfico mágico y poético de un marcado carácter autobiográfico, Fellini es uno de los directores más controvertidos e imitados de la historia. Sus filmes presentan un mundo en el que la remisión a una realidad que coexiste con lo fantástico es la condición misma de la existencia de unos personajes situados a medio camino entre lo cotidiano, lo grotesco y el delirio poético. Para el italiano, no es necesario que las cosas que se ofrecen sean auténticas, lo que debe serlo es la emoción que se advierte cuando se ve, cuando se expresa. Su vasta influencia llega a directores como Martín Scorsese, David Lynch, Emir Kusturica, Woody Allen, Wes Anderson y Tim Burton, entre muchos otros.
En este curso analizaremos sus filmes más importantes, en donde podremos ver su recorrido desde las fuentes del Neorrealismo Italiano hasta la consolidación de un lenguaje propio, que llegaría a convertirse en una verdadera marca registrada (lo comúnmente denominado “Fellinesco”). También fragmentos de películas de otros directores relacionados y del documental “Soy un gran mentiroso”, sobre el propio Fellini.
Películas de otros directores relacionadas con el universo de Fellini:
El gran pez (Tim Burton), Terciopelo azul (David Lynch), Stardust Memories (Woody Allen), Underground (Emir Kusturika), Calles salvajes (Martin Scorsese), La casa de los engaños (Andrei Konchalovski), Vida acuática (Wes Anderson).
Dinámica de trabajo:
Ilustración con proyección de fragmentos de películas en pantalla grande.
Duración: 4 clases de dos horas, frecuencia semanal
Costo por el módulo completo (se abona en la primera clase): 150 pesos.
Costo por clases separadas: 50 pesos cada una.
Lugar: Librería - Café Crackup, Costa Rica 4767, Palermo.
Fecha de inicio: Martes 5 de enero de 2010, de 19 a 21
Se sugiere ver antes de cada clase las películas seleccionadas.
Películas de Fellini que se analizarán en el curso:
Clase 1
-El sheik (1952)
Un joven matrimonio llega a Roma en viaje de luna de miel, pero la chica -fanática de las fotonovelas- se pierde en la ciudad buscando a su héroe y amor imposible, el Sheik Blanco, interpretado por Alberto Sordi. Mientras, su esposo la busca a ella y por separado tienen toda clase de aventuras, ridículas o extrañas. Comedia negra que se ríe de la devoción popular a las estrellas, El Sheik Blanco es considerado por muchos como el primer gran filme de Fellini. En el guión colaboró un entonces desconocido Michelangelo Antonioni.
-Los inútiles (1953)
Fellini nos cuenta la no-vida de un grupo de jóvenes habitantes de una ciudad de provincias en la Italia de los ´50. Ya pasada la posguerra y con el país en plena recuperación, pero aun con miseria y necesidad, el director nos acerca a ver de cerca a un grupo de jóvenes que nunca han conocido el hambre o el sufrimiento. Su vida consiste en salir de fiesta por la noche, al bar o el billar, intentar ligar con alguna de las chicas del lugar, llegar tarde por la noche, dormir hasta el mediodía, y repetir la misma rutina día tras día. Solo uno de ellos puede tomar conciencia de la realidad en que vive para tomar una decisión que le cambie su vida.
Clase 2
-La strada (1954)
Recorriendo el mundo con su espectáculo, el vigoroso Zampanò conoce por casualidad a una pobre y numerosa familia campesina, que le vende por poco dinero a la graciosa Gelsomina. Violento y posesivo, Zampanò obliga a la chica a acompañarlo en sus actuaciones, en las cuales la ridiculiza sin escrúpulos mientras él parte cadenas ante un público incrédulo.
La Strada es una de las películas de Fellini, que pertenecen a la etapa más cercana al neorrealismo en la carrera del cineasta. Período que comprende desde la película Luci dil varietà (1950) hasta la La dolce vita,(1961).
-La dolce vita (1960)
“La dolce vita es el primer gran film “social” de Fellini, su primer gran retablo histórico, su primer intento también de hacer un retrato que aúne simultaneidad y pluridimensionalidad. (…) Es el inicio de su obsesión de hacer un film-fresco que pueda ser abarcado en sus múltiples detalles con un solo golpe de vista. El objetivo elegido es la sociedad italiana que eufóricamente deja la década de los cincuenta, que quiere olvidar definitivamente el horror de la guerra y la miseria de la posguerra, que pretende construir un sistema de vida basado en la irresponsabilidad, el confort y la relatividad moral, que quiere tapar sus desgarrones con la doble moral y el silencio censor”. (Brunello Rondi, guionista de La Dolce Vita).
Clase 3
-Fellini8 ½ (1963)
Aunque su título original iba a ser “La bella confusione(la bella confusión)” Fellini lo dejó simplemente en “8 y 1/2″, ya que esta película según el propio cineasta, hacía la número 8 y medio en su filmografía, contando con que su anterior obra, “Bocaccio 70″ fue un proyecto “sui generis” en el que 4 directores italianos; Vittorio De Sica, Mario Monicelli, Luchino Visconti y el propio Fellini acometieron la tarea de adaptar a la gran pantalla historias del celebérrimo poeta toscano, Bocaccio…
Fellini, en este retrato semi-autobiográfico (con Fellini nunca sabemos qué es verdad y qué no) nos habla a su manera del conflicto creativo de un autor (Marcello Mastroianni, su alter ego ideal) en plena etapa de confusión, tal y como quería darnos a entender su titulación original…
Películas como “Stardust Memories” y en menor medida “Los secretos de Harry”, ambas de Woody Allen son evidentes deudoras de la forma y fondo de esta emblemática cinta del director italiano.
-Amarcord (1973)
Película realizada por Federico Fellini, entre Roma (1972) y Casanova (Il Casanova de Federico Fellini, 1976), vista hoy en día, continúa revelándose como un hito; una crónica nostálgica y personal, impregnada de la poesía y de la dosis de surrealismo tan propia de sus obras, que abraza sin ningún tipo de pudor la adolescencia del propio autor. Con 53 años a su espalda, el viejo Fellini regresaba a una región casi irreconocible por la bruma que el paso del tiempo había depositado en ella, el territorio de su infancia y juventud. En Amarcord, Fellini echó mano a sus recuerdos infanto-juveniles para elaborar una obra de un marcado tono nostálgico. Sin embargo, el recuerdo poco tiene que ver con un testimonio fidedigno del pasado. En el recuerdo, la imaginación disfruta de espacios abiertos para campar a sus anchas. El pasado puede ser evocación de un tiempo que no regresará jamás. No obstante, esta verdad de Perogrullo no esconde que, en ocasiones, la mentira se pueda convertir en la proyección del presente porque vemos lo que ocurrió, no como de verdad aconteció, sino embriagados por el aroma de la idealización —cosa ésta, bastante más atractiva que la propia realidad.
Clase 4
-Y la nave va (1983)
“Hay quien ha querido ver en Ensayo de orquesta, La città delle donne, E la nave va, Ginger e Fred, La voce della luna, variaciones metafóricas sobre la situación política de Italia, sobre la sensación de inminente colapso del sistema, sobre la pérdida de capacidad comunicativa, sobre el triunfo de los rumores y de un caos irreversible.
El velo fúnebre que poco a poco se extiende sobre la escena felliniana nace también del proceder sincrónico, de catástrofe en catástrofe, hasta alcanzar dimensiones apocalípticas. E la nave va, por ejemplo, predice la llegada del íncubo nuclear y sugiere, mediante sólo dos elementos, el hombre y el rinoceronte, una versión minimalista del arca de Noé. Es el fin del mundo, que Italo Calvino señala como uno de los temas más recurrentes del último Fellini. De entre sus películas, E la nave va es quizá la más explícita en este sentido, pero también la que menos quiere imponer este tipo de pathos. Como si todos hubiéramos comprendido que el fin del mundo es nuestro hábitat natural y no pudiéramos imaginarnos una forma distinta de vivir. Aunque durante más de una década Fellini se enfundó los hábitos de una Casandra mediática, también tuvo la capacidad de seguir confiando en el futuro del cine y en la posibilidad de hacer películas y de conseguir encontrar siquiera un punto de fuga y de salvación, una isla en la que refugiarse junto con sus personajes y continuar dando vida a los fantasmas de su imaginación.”
Gian Piero Brunetta, en Dizionario dei registi del cinema mondiale, Einaudi, 2005.
-Ginger y Fred (1986)
Fiametta Profili, asistente personal de Fellini, asegura que en los últimos años, el director italiano (siempre dispuesto a la improvisación, gustase esto o no a sus actores) sólo escribía historias de una página y que los productores tenían que elaborar la película a partir de ahí. No es difícil imaginar que fuese eso mismo lo que precisamente ocurrió con Ginger y Fred, una película construida en torno a una idea básica, el reencuentro de Amelia y Pippo, dos bailarines, que en su época de gloria formaban una inseparable pareja que imitaba al dúo de baile por excelencia, Fred Astaire y Ginger Rogers, pero que no se ven desde hace treinta años, tras truncarse su relación profesional. El motivo de la reunión: la participación de ambos en un programa especial de Navidad. La pareja protagonista es también la pareja de actores favorita de Fellini, que sin embargo no había compartido antes la pantalla: su esposa, Giuletta Masina, y Marcello Mastroianni. Era Claudia Cardinale la que decía que Mastroianni era el actor preferido de Fellini, además de su mejor amigo, para terminar concluyendo que ambos eran una misma persona. Desde este singular punto de vista también sería posible contemplar el reencuentro ficticio de Ginger y Fred como el reencuentro real de Masina y Fellini como director y actriz en una misma película, algo que no sucedía desde hacía veintiún años, con Giulietta de los espiritus (Giulietta degli spiriti, Federico Fellini, 1965). Quizá sea precisamente por eso, Masina desprende un aura especial con la que logra componer un personaje auténticamente conmovedor.
“El cine es un lenguaje. Puede decir cosas: grandes, abstractas. Y eso me encanta. No siempre se me dan bien las palabras. Algunas personas son poetas y dicen las cosas con palabras bellas. Pero el cine posee un lenguaje propio. Y con él pueden decirse muchas cosas porque cuentas con el tiempo y las secuencias. Tienes diálogo. Tienes música. Tienes efectos sonoros. Tienes muchísimas herramientas. Y, por tanto, puedes expresar un sentimiento o un pensamiento que no podrían comunicarse de ningún otro modo. Es un medio mágico. (…) Se trata de contar historias. De inventar un mundo, una experiencia que la gente no tendría de no ver esa película.
Cuando pesco una idea para una película, me enamoro del modo en que el cine es capaz de expresarla. Me gustan las historias que contienen abstracciones, y eso es lo que el cine puede hacer.” (David Lynch, de su libro “Atrapa el pez dorado”).
“Tengo ideas, imágenes, que me llegan a la mente y me excitan mucho. Hay una opinión muy generalizada que afirma que los personajes siempre buscan un sentido a todo. Eso no es verdad en lo más mínimo. ¿Por qué razón debería tener sentido el arte si la vida no lo tiene? Lo que más me gusta en esta vida es el absurdo. Y he de reconocer que el hecho de vivir en la ignorancia tiene mucho humor”.
(David Lynch, 1990)
La intensa obra de David Lynch se define a sí misma por su total falta de subordinación a modas y gustos imperantes y por una arriesgada utilización del lenguaje cinematográfico. La minuciosa construcción de un espacio temático coherente y personal, dan a su obra un toque único e inconfundible. Creador de la inolvidable serie Twin Peaks y de películas como Eraserhead, Corazón Salvaje y Terciopelo Azul, Lynch es, como su admirado Franz Kafka, un artista obsesionado por lo oscuro, lo siniestro y lo absurdo que domina la voluntad de vivir, preocupado por un orden paralelo al cotidiano, un mundo de desconocida perversidad, locura y muerte.
Dinámica de trabajo: Ilustración con proyección de cortometrajes y fragmentos de películas de Lynch y de otros realizadores afines. Las películas las ve antes en su casa cada uno de los participantes
Duración: 3 clases de dos horas
Costo: $ 150.-
Lugares y fecha de inicio:
Sábado 28 de noviembre a las 17 en Sucre y Moldes, Belgrano
Inscripción e informes: dalecine@gmail.com
Películas que se analizarán en el curso
CLASE 1
Cabeza borradora (Eraserhead, 1977)
Luego de cinco años de filmación en condiciones de producción precarias, David Lynch presenta al mundo Eraserhead, su primer largometraje, un film experimental en blanco y negro, que ya presenta obsesiones y temas que el director tomará en sus producciones posteriores.
Con una fotografía terriblemente contrastada que a veces adquiere un cariz agresivo y violento, y con un tratamiento sonoro irreal que altera el ambiente, Eraserhead es, en palabras de su director “un sueño sobre cosas oscuras y turbadoras que reproduce un estado de semi-inconsciencia en el que flotan todas las posibilidades de una pesadilla.”
Eraserhead nos recuerda a films como “El perro andaluz” (1928), el increíble y también perturbador film de Luis Buñuel y Salvador Dalí, estandarte del Surrealismo. Eraserhead queda inscripta como una de las óperas primas más deslumbrantes y sorprendentes de toda la historia del cine.
Terciopelo azul (Blue velvet, 1986)
En Terciopelo azul, como en El hombre elefante, el cine de Lynch vuelve a mostrarnos lo que se esconde debajo de la superficie, de lo aparente. Lumberton nos es mostrada desde el comienzo como una ciudad paradisíaca, en donde el sueño americano parece haber llegado a la cumbre. Pero la ilusión pronto es demolida por las imágenes de una ciudad nocturna y perversa, en donde la corrupción policial y el crimen marcan el pulso.
El film noir, Edward Hopper, Fellini y Hitchcock, son sólo algunas de las referencias más tangibles que podemos observar a lo largo del film.
Terciopelo azul se erige en un auténtico viaje a las tinieblas. Según Lynch, “es una combinación de love story, thriller, murder, mystery, sexo explícito y violencia”.
Jeffrey Beaumont, el personaje principal, funciona sugestivamente como un alter ego de Lynch, en una historia que muestra el lado oscuro de un típico pueblito americano, con personajes siniestros y atractivos a la vez. El Mal y el Bien libran una batalla impiadosa, en la que Jeffrey cede a la tentación de la aventura, primero como un detective aficionado, luego como un voyeur y finalmente como una pieza más del oscuro mundo que representa Frank, cediendo a las masoquistas pretensiones de Dorothy, la mujer fatal y a la vez frágil que lo seduce.
CLASE 2
Carretera perdida (Lost Highway, 1997)
“Un film de terror del siglo XXI. Una investigación gráfica sobre crisis paralelas. Un mundo donde el tiempo está peligrosamente fuera de control. Un paseo terrorífico por la carretera perdida hacia abajo.” (Primera página del guión de Carretera perdida.)
“Esta película trata de una historia de amor obsesivo… de la oscuridad de la mujer. Del elemento destructivo de una mujer.” (Patricia Arquette, actriz del film)
“Carretera perdida representa una síntesis muy interesante de los diferentes films que ha hecho. David está desarrollando su arte y su lenguaje. En cada nueva película, le pide al camarógrafo cosas más sofisticadas y dinámicas. Realmente piensa mucho cómo hacer que cada escena sea visual y emocionalmente interesante”. (Mary Sweeney, productora, editora y pareja de Lynch)
En Carretera perdida, al espectador no se le permite reconstruir un tiempo narrado casi estático, como congelado, y cuyas huellas han sido visiblemente canceladas (dónde empieza, dónde termina?) ¿La historia es sobre dos historias diferentes, ó de una sola presentada desde distintos puntos de vista? Lynch manifestó que el concepto de “fuga psicogénica”, utilizado en psicología para designar el estado que lleva a una persona a adoptar una entidad y una vida diferentes, tenía algo que ver con esta película y se le podía aplicar perfectamente al protagonista, Fred Madison.
Sin embargo, la historia aquí es lo de menos, y nos invita a sentirla en plenitud, con sus imágenes sugerentes e inquietantes, y una banda sonora (ruidos, sonidos, música) potente y significativa. Nuevamente, como en Terciopelo azul, lo extraño, lo absurdo, lo inexplicable, invade el mundo cotidiano y “normal”. El policial negro, una de las tantas facetas con las que cuenta el film, aparece sobre todo en la segunda parte de la historia, con la fría y manipuladora rubia interpretada por Arquette. Y también, dentro de la mezcla de géneros con la que Lynch gusta de condimentar sus historias, aparecen el terror, el thriller y el misterio.
Una historia sencilla (The straight story. 1999)
Basada en una historia real y financiada por la última productora imaginable para un director como Lynch, la Disney, estamos frente a la más amable y afectiva de las películas de este director, por lo menos en su superficie.
En Una historia sencilla, vamos a encontrar algunos elementos opuestos al de las películas anteriores de Lynch:
Una narración con una sola historia lineal y sin mezcla de géneros.
Un “Happy end” más cercano al estilo de finales hollywoodenses.
Una historia más realista.
Un protagonista casi único.
Aunque también vamos a encontrar otros elementos afines al mundo lynchiano:
La descripción de la América “profunda”, con sus personajes y paisajes.
La escena surrealista de los ciervos.
La escena del comienzo, muy parecida en estilo a la de Terciopelo azul.
El uso de la banda sonora.
Si bien es una película luminosa, tiene, como no podía ser de otra manera en Lynch, su lado opaco, ya que el protagonista lleva consigo una carga de oscuridad en su interior, que nos va develando a medida que se encuentra con otros personajes (la muerte de un nieto a su cargo, su alcoholismo, el profundo distanciamiento con su hermano, el asesinato involuntario de un compañero en la guerra)
CLASE 3
El camino de los sueños (Mulholland Dr. 2001)
Pensada inicialmente como una serie para la televisión y rechazada como tal por los estudios, Lynch encontró financiación en Francia para producir con ese material y algunos agregados, un largometraje.
El camino de los sueños tiene todos los elementos a los que Lynch nos tiene acostumbrados, aunque no faltan sorpresas y personajes delirantes e imposibles.
Lo que subyace debajo de la superficie; en este caso la mafia oscura y tenebrosa debajo del glamour hollywoodense, el tema del doble, el cruce de géneros, que va desde el terror, pasando por el noir, la comedia absurda y el drama romántico. También hay un vaquero misterioso, un club muy particular, un hombre que sueña
De la misma forma que Mulholland Drive serpentea desde Los Angeles hasta las colinas de Hollywood, Lynch teje con los hilos de los sueños de la ciudad del espectáculo una historia llena de personajes misteriosos y difíciles. Betty (Naomi Watts - “Tank Girl”) llega a Los Angeles decidida a convertirse en estrella. Adam (Justin Theroux - American Psycho) es un joven director de moda que descubre que la Mafia es la que manda en su película. Rita (Laura Herring - “Exit to Eden”) es una joven enigmática que pierde la memoria tras un accidente de coche en el que resultan muertos dos hombres que aparentemente retenían a la joven contra su voluntad. Sin saber quién es, elige un nuevo nombre cuando ve el cartel de una película de Rita Hayworth. Lynch muestra cómo la capital del cine permite a las personas moldear su identidad: “Quieres saber de verdad quién eres y la amnesia se parece de alguna manera a la interpretación. Un gran actor o una gran actriz renuncia a su propia identidad y se convierte en otra persona. Todo el mundo, incluso yo, a veces tiene ganas de perderse y entrar en un mundo nuevo. El cine te da esa oportunidad”. El director conoce bien la historia y tradiciones de Hollywood. Dio un papel secundario a Ann Miller, la coprotagonista junto a Fred Astaire de “Easter Parade”, y evoca la época posguerra con los nombres de sus personajes principales: Betty y Rita. Explica la fascinación que ejerce Hollywood al decir lo siguiente: “Todo el mundo anhela no necesariamente la fama sino la oportunidad de expresarse y es algo que me encanta de Los Angeles”.
Dale Cine presenta su seminario sobre Pedro Almodóvar en La Boutique del Libro.
SEMINARIO DE CINE
Pasiones y desgarros de un manchego, el cine de Pedro Almodóvar
Coordinado por Sergio Zadunaisky
La Boutique del Libro y Dale Cine se complacen en invitarte a repasar una de las filmografías más intensas del mundo del cine, analizando lo mejor de la carrera de Pedro Almodóvar.
El curso se dictará durante 3 jueves consecutivos en La Boutique del Libro de San Isidro.
El cine de Pedro Almodóvar, dotado de una vibrante comunicación lúdica y expresiva, va directo al espectador. Barroco y sensual, narra un universo de emociones que alcanza la identificación del público.Sus películas han convertido, a la manera de Fellini o Hitchcock, el nombre Almodóvar en una marca registrada.
El melodrama, la comedia disparatada, el cine negro, la tauromaquia, los amores desgarrados y las pasiones más intensas, son solo algunos de los muchos elementos que configuran la filmografía de un director ecléctico, siempre magnético y atrapante. Antonio Banderas, Carmen Maura, ChusLampreave, Penélope Cruz, Javier Bardem, Verónica Forqué, son solo algunos de los nombres de esa gran familia que el manchego supo aglutinar con el tiempo.
DouglasSirk, Rainer W. Fassbinder, AndyWarhol, FritzLang, Mondrian, JohnCassavetes, LuisBuñuel y Brian de Palma, entre otros, las luces que guiaron/guían su camino.
Ilustración con proyección de cortometrajes y fragmentos de películas del propio Almodóvar y de otros realizadores afines.
Clase 1
“¿Qué he hecho yo para merecer esto?” (1984)
“La apariencia de mis películas es muy equívoca y en particular en ésta, donde no cuento una historia de amor, sino el horror y las injusticias en las que vive una mujer.. Cuando Carmen (Maura) vio la película me dijo: “¡Qué cruel es el espectador! ¿Cómo puede reírse de todas las desgracias que rodean al personaje? Convierte al personaje en una doble víctima, porque tiene una vida difícil y además la reacción del espectador la convierte en una víctima mayor”. Lo que cuenta es una historia muy patética, en efecto, pero hay mucho humor en la película y a mí personalmente no me molesta que el espectador se ría cuando la ve”. (Pedro Almodóvar sobre “¿Qué he hecho yo para merecer esto”).
“Mujeres al borde de un ataque de nervios” (1987)
Después de varios años, Iván y Pepa, una pareja de actores de doblaje, deshace su relación, sin que él sepa que ella está embarazada. Mientras espera en vano noticias de Iván, Pepa intenta habituarse a su nueva situación. Su vida se complica aún más cuando llega a su nueva casa su amiga Candela, que huye de la policía porque ésta ha detenido a su novio, un terrorista chiíta y teme que la involucren a ella en el asunto. Pepa decide conocer a la actual amante de Iván, con lo que sus “nervios” van en aumento. Por si fuera poco, en su vida entra también por casualidad, Carlos, el hijo de su novio, que acude con la retrógrada novia, a ver el piso para alquilarlo. Todos se concentran en la casa, y el cruce de personajes da lugar a toda clase de situaciones divertidas.
Mujeres al borde… es la película más exitosa de Almodóvar, pronta a convertirse en obra musical en Broadway.
Clase 2
“Átame” (1989)
“En “Mujeres al borde…” hablo de la ausencia del hombre y del dolor que produce, y en “Átame!” hablo de la presencia del hombre y del dolor que produce una presencia que uno no ha elegido, lo cual equivale a hablar del matrimonio, en el sentido de la convivencia de dos personas en la misma casa. Me identifico totalmente con esta historia. (…) Comprendo muy bien el principal problema de Ricky: la dificultad que tiene el amante para demostrarle a la otra persona que la quiere, la incertidumbre que tiene sobre si la otra persona sabe cuáles son sus sentimientos, una incertidumbre que siempre hay en el amor.“ (Almodóvar sobre su película).
“La flor de mi secreto” (1995)
Leo Macías es una escritora de novela rosa, que disfruta del éxito bajo el protector pseudónimo de Amanda Gris. Sin embargo, se encuentra en una profunda crisis personal. Su marido es un militar destinado a Bosnia, cuya ausencia ha dejado en suspenso los profundos problemas que atraviesa el matrimonio. La Flor de Mi Secreto es una película melancólica, algo oscura y profundamente auto-reflexiva, que marca el punto exacto en que Almodóvar cambia su registro narrativo, dejando tal vez de lado la provocación y le irreverencia para volcarse a un cine mucho más adulto y “maduro.”
Clase 3
“Volver” (2006)
“No imaginaba que había tanta expectación por nuestro reencuentro. Me sorprende la cantidad de gente que me ha dicho lo contentos que estaban porque Carmen y yo volviéramos a trabajar juntos! Dice una canción deChavela: “uno vuelve siempre a los viejos sitios donde amó la vida”. Esto se puede aplicar también a las personas. Siempre existe la incertidumbre, pero afortunadamente la de Carmen se despejó en los primeros trabajos de mesa. En el guión de “Volver” hay una larga secuencia, casi un monólogo, porque sólo habla el personaje de Carmen, la abuela fantasma. En dicha secuencia Carmen explica a su hija del alma, Penélope Cruz, las razones de su muerte y las de su vuelta, a lo largo de seis intensas páginas y seis no menos intensos planos. Esta secuencia es una de las razones por las que yo quería rodar la película. He llorado todas y cada una de las veces que he corregido el texto (como el personaje que interpretaba KathleenTurner en “Tras la esmeralda perdida”, una ridícula escritora de novelas rosa, muy kitch, que lloraba mientras escribía). La noche que la rodábamos todo el equipo era consciente de su importancia. Había mucha expectación. Esto ponía un poco nerviosa a Carmen que quería abordarla cuanto antes. Desde “Mujeres…” hasta el “monólogo de Volver” Carmen no ha cambiado como actriz, y descubrirlo ha sido maravilloso.” (Almodóvar sobre su película).
“Los abrazos rotos” (2009).
Un hombre (LluísHomar) escribe, vive y ama en la oscuridad. Catorce años antes sufrió junto a Lena (Penélope Cruz), la mujer de su vida, un brutal accidente de coche en la isla de Lanzarote que lo dejó ciego. Este hombre usa dos nombres, HarryCaine, lúdico seudónimo bajo el que firma sus trabajos literarios, relatos y guiones y Mateo Blanco, su nombre de pila real, con el que vive y firma las películas que dirige. En la actualidad, HarryCainevive gracias a los guiones que escribe y a la ayuda de su antigua y fiel directora de producción, Judit García (Blanca Portillo), y de Diego (Tamar Novas), el hijo de ésta, secretario, mecanógrafo y lazarillo. Desde que decidiera vivir y contar historias, Harry es un ciego activo y atractivo que ha desarrollado todos sus otros sentidos para disfrutar de la vida, a base de ironía y una amnesia autoinducida. Ha borrado de su biografía toda sombra de su primera identidad, Mateo Blanco. La historia de Mateo, Lena, Judit y Ernesto Martel es una historia de amourfou, dominada por la fatalidad, los celos, el abuso de poder, la traición y el complejo de culpa…) A la altura de sus obras mayores, aunque sin alcanzar momentos de emoción deslumbrante, el cerebro de este director singular compone colores, encuadres y diálogos para crear su peculiar arte en la pantalla, manejando contenido, tiempo y espacio bajo una estricta voluntad. Y de nuevo, por encima de la brillantez de su guión y dirección, unos personajes centrales colosales (sin palabras para las recreaciones de Homar y Cruz), y una colección de secundarios de gran fuerza e intensidad, que parecen tener un pasado y un futuro antes de asomarse ante nuestras pupilas.
Este viernes 27 de noviembre a las 20.30, Dale Cine te invita a su última función del año en Venática a ver “Tres monos” (Üç Maymun2008), la película de Nuri Bilge Ceylan, el mismo realizador de “Climas” y “Lejano”, ganadora de la Palma de Oro a la mejor dirección en el Festival de Cannes. La cita será en Venática Usina Creativa, Bonpland 1622 - Palermo. Al término de la proyección habrá un debate y se servirá una copa de vino o gaseosa para los asistentes.
Duración de la película: 109 minutos.
Costo: 25 pesos por persona.
La sala cuenta con equipo de aire acondicionado.
Capacidad limitada. Se ruega hacer reservas con anticipación dejando mensaje con nombre y teléfono al 4771-4149
SOBRE LA PELICULA
SINOPSIS: Una familia empieza a derrumbarse cuando, lo que parecían pequeños defectos, se convierten en extravagantes mentiras. Sus miembros escogen luchar para mantenerse juntos escondiendo la verdad, y así evitar inconvenientes y responsabilidades que les parecen imposibles de soportar. Prefieren ignorar la verdad, no ver ni hablar del tema. Pero, ¿basta con actuar como “tres monos” para erradicar la verdad?
Críticas
“Una obra de rara y resplandeciente belleza. Puntuación: **** (sobre 5)” (Luis Martínez: Diario El Mundo)
“Me engancho con esos primeros planos largamente sostenidos que hablan de insatisfacción, de sospecha, de miedo, de mentiras (…) Esas imágenes, esa atmósfera y esos sonidos tienen poderío, estilo, clima, autenticidad.” (Carlos Boyero: Diario El País)
“Historia aparatosa sobre los diversos modos de corrupción (…) cine particularmente estático y aparentemente inerte, aunque una atroz turbulencia se esconda en sus personajes. (…) Puntuación: *** (sobre 5).” (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC
Pesadilla americana, el cine de David Lynch – Curso dictado por Sergio Zadunaisky
“El cine es un lenguaje. Puede decir cosas: grandes, abstractas. Y eso me encanta. No siempre se me dan bien las palabras. Algunas personas son poetas y dicen las cosas con palabras bellas. Pero el cine posee un lenguaje propio. Y con él pueden decirse muchas cosas porque cuentas con el tiempo y las secuencias. Tienes diálogo. Tienes música. Tienes efectos sonoros. Tienes muchísimas herramientas. Y, por tanto, puedes expresarun sentimiento o un pensamiento que no podrían comunicarse de ningún otro modo. Es un medio mágico. (…) Se trata de contar historias. De inventar un mundo, una experiencia que la gente no tendría de no ver esa película.
Cuando pesco una idea para una película, me enamoro del modo en que el cine es capaz de expresarla. Me gustan las historias que contienen abstracciones, y eso es lo que el cine puede hacer.” (David Lynch, de su libro “Atrapa el pez dorado”).
“Tengo ideas, imágenes, que me llegan a la mente y me excitan mucho. Hay una opinión muy generalizada que afirma que los personajes siempre buscan un sentido a todo. Eso no es verdad en lo más mínimo. ¿Por qué razón debería tener sentido el arte si la vida no lo tiene? Lo que más me gusta en esta vida es el absurdo. Y he de reconocer que el hecho de vivir en la ignorancia tiene mucho humor”. (David Lynch, 1990)
La intensa obra de David Lynch se define a sí misma por su total falta de subordinación a modas y gustos imperantes y por una arriesgada utilización del lenguaje cinematográfico. La minuciosa construcción de un espacio temático coherente y personal, dan a su obra un toque único e inconfundible. Creador de la inolvidable serie Twin Peaks y de películas como Eraserhead, Corazón Salvaje y Terciopelo Azul, Lynch es, como su admirado Franz Kafka, un artista obsesionado por lo oscuro, lo siniestro y lo absurdo que domina la voluntad de vivir, preocupado por un orden paralelo al cotidiano, un mundo de desconocida perversidad, locura y muerte.
Dinámica de trabajo:
Ilustración con proyección de cortometrajes y fragmentos de películas de Lynch y de otros realizadores afines. Para una mayor comprensión se sugiere ver las películas antes de cada. Duración: 4 clases de dos horas Costo: $ 180.- Lugares y fecha de inicio: Miércoles 11 de noviembre a las 20.30 en Zavalía al 2100, Belgrano Martes 17 de noviembre a las 19.30 en Bonpland 1622, Palermo
Inscripción e informes: dalecine@gmail.com
Películas que se analizarán en el curso
CLASE 1
Cabeza borradora (Eraserhead, 1977)
Luego de cinco años de filmación en condiciones de producción precarias, David Lynch presenta al mundo Eraserhead, su primer largometraje, un film experimental en blanco y negro, que ya presenta obsesiones y temas que el director tomará en sus producciones posteriores.
Con una fotografía terriblemente contrastada que a veces adquiere un cariz agresivo y violento, y con un tratamiento sonoro irreal que altera el ambiente, Eraserhead es, en palabras de su director “un sueño sobre cosas oscuras y turbadoras que reproduce un estado de semi-inconsciencia en el que flotan todas las posibilidades de una pesadilla.”
Eraserhead nos recuerda a films como “El perro andaluz” (1928), el increíble y también perturbador film de Luis Buñuel y Salvador Dalí, estandarte del Surrealismo. Eraserhead queda inscripta como una de las óperas primas más deslumbrantes y sorprendentes de toda la historia del cine.
El hombre elefante (The elephant man, 1980)
“Mi cabeza mide 88 cm. De circunferencia y tengo una amplia masa carnosa en la parte de atrás, grande como un tazón. La otra parte parece, digamos, valles y montañas, todos amontonados, mientras que mi cara tiene un aspecto que nadie quisiera describir. Mi mano derecha posee casi el tamaño y la forma de una pata de elefante. El otro brazo y mi mano no son mayores que los de un niño de diez años, y están algo deformados… (John Merrick, “El hombre elefante”, 1862-1883.)
La enfermedad - neurofibromatosis - que padeció John Merrick le convirtió en un monstruo para la mayoría de sus congéneres, que llenos de una morbosa curiosidad se acercaban a la feria en la que servía como otra más de sus atracciones.
David Lynch, luego de realizar de manera artesanal “Eraserhead”, estrenada en 1976, encara esta producción por encargo, producida entre otros por Mel Brooks. El rodaje se realizó en Londres y el film fue nominado a ocho premios Oscar de la Academia de Hollywood .
Con “Freaks” (1932), la obra maestra de Tod Browning como referencia inevitable, Lynch trabaja en un film insertado plenamente en la industria del cine. Aunque no deja de tener algunos toques personales, como las imágenes del Londres en la época de la Revolución Industrial, con sus obreros, sus máquinas y sus sonidos. O escenas oníricas, una firma inconfundible en el resto de su obra.
Aquí lo monstruoso no es el “monstruo”, sino los humanos que lo rodean, en su mayoría seres abyectos e inescrupulosos. John Merrick, en cambio, es un ser necesitado de afecto y comprensión, y que con su nobleza y poesía pone al espectador de su parte, rompiendo la barrera de lo aparente.
Lynch habla sobre El hombre elefante:
-¿Qué fue lo que te animó a seguir? ¿Qué te hizo seguir aferrado a la idea?
-Fue en gran medida John Merrick, el personaje de El hombre elefante. Era un tipo tan maravilloso, extraño e inocente. Eso fue. De eso trata toda la historia. Además, estaba la revolución industrial. Cuando veo fotografías de explosiones, explosiones grandes, siempre me recuerdan a los tumores papilomatosos del cuerpo de John Merrick. Eran como explosiones lentas que salían desde los huesos. No estoy seguro de qué producía aquellas explosiones, pero hasta los huesos le explotaban adquiriendo la misma textura y le salían a través de la piel formando aquellos tumores que eran como explosiones lentas. La idea de las chimeneas de las fábricas, el hollín y la industria junto a aquella piel fue otras de las cosas que me hizo seguir.
Los seres humanos son como pequeñas fábricas. Elaboran un sinfín de de pequeños productos. La idea de algo que crece dentro, todos esos fluidos, el tiempo y los cambios, y la química que de algún modo captura la vida y luego sale al exterior y se convierte en otra cosa, es increíble.
Extracto del libro “David Lynch por David Lynch”:
CLASE 2
Terciopelo azul (Blue velvet, 1986)
En Terciopelo azul, como en El hombre elefante, el cine de Lynch vuelve a mostrarnos lo que se esconde debajo de la superficie, de lo aparente. Lumberton nos es mostrada desde el comienzo como una ciudad paradisíaca, en donde el sueño americano parece haber llegado a la cumbre. Pero la ilusión pronto es demolida por las imágenes de una ciudad nocturna y perversa, en donde la corrupción policial y el crimen marcan el pulso.
El film noir, Edward Hopper, Fellini y Hitchcock, son sólo algunas de las referencias más tangibles que podemos observar a lo largo del film.
Terciopelo azul se erige en un auténtico viaje a las tinieblas. Según Lynch, “es una combinación de love story, thriller, murder, mystery, sexo explícito y violencia”.
Jeffrey Beaumont, el personaje principal, funciona sugestivamente como un alter ego de Lynch, en una historia que muestra el lado oscuro de un típico pueblito americano, con personajes siniestros y atractivos a la vez. El Mal y el Bien libran una batalla impiadosa, en la que Jeffrey cede a la tentación de la aventura, primero como un detective aficionado, luego como un voyeur y finalmente como una pieza más del oscuro mundo que representa Frank, cediendo a las masoquistas pretensiones de Dorothy, la mujer fatal y a la vez frágil que lo seduce.
Corazón salvaje (Wild at heart, 1990)
Lynch estaba enamorado de los personajes, pero no lo suficientemente de la historia, por lo que hizo todos los cambios respecto a la novela que le vino en gana. La pareja principal no están enamorada del mismo modo en la novela que en el filme, donde responden a un idealismo de las relaciones de pareja muy en la onda de su director, como si su romance apasionado fuera el mismo que en las películas de rebeldes y romances de los años 50.
A pesar de que el “Wild At Heart” cinematográfico poco tenga que ver con el literal, Barry Gifford y David Lynch se llevaron a la perfección.“Fui el asesor creativo de la película”, recuerda Gifford,“estaba demasiado ocupado escribiendo el resto de novelas sobre Sailor y Lula como para poder escribir el guión, así que fue David quien se encargó, y le dije que llamara si tenía alguna pregunta. David tuvo listo el guión en seis días, pero después, a la hora de rodar, iba improvisando, añadiendo o sacando cosas sobre la marcha. Recuerdo que un día vi la que para mi era la frase mas importante de la película(“Este es un mundo salvaje por dentro y muy extraño por fuera”)había desaparecido del guión. Se lo comenté a David, y me respondió, “no te preocupes, ya la haremos caber en algún sitio”, y así lo hizo”.Respecto al final el escritor tiene una versión un poco distinta a la dada por el director:“El final original de la película, tal y como estaba en el guión, era el mismo que el de la novela, que de hecho está en la película. Pero después David añadió las escenas de la Bruja Buena del Este y el encuentro final.
CLASE 3
Carretera perdida (Lost Highway, 1997)
“Un film de terror del siglo XXI. Una investigación gráfica sobre crisis paralelas. Un mundo donde el tiempo está peligrosamente fuera de control. Un paseo terrorífico por la carretera perdida hacia abajo.” (Primera página del guión de Carretera perdida.)
“Esta película trata de una historia de amor obsesivo… de la oscuridad de la mujer. Del elemento destructivo de una mujer.” (Patricia Arquette, actriz del film)
“Carretera perdida representa una síntesis muy interesante de los diferentes films que ha hecho. David está desarrollando su arte y su lenguaje. En cada nueva película, le pide al camarógrafo cosas más sofisticadas y dinámicas. Realmente piensa mucho cómo hacer que cada escena sea visual y emocionalmente interesante”. (Mary Sweeney, productora, editora y pareja de Lynch)
En Carretera perdida, al espectador no se le permite reconstruir un tiempo narrado casi estático, como congelado, y cuyas huellas han sido visiblemente canceladas (dónde empieza, dónde termina?) ¿La historia es sobre dos historias diferentes, ó de una sola presentada desde distintos puntos de vista? Lynch manifestó que el concepto de “fuga psicogénica”, utilizado en psicología para designar el estado que lleva a una persona a adoptar una entidad y una vida diferentes, tenía algo que ver con esta película y se le podía aplicar perfectamente al protagonista, Fred Madison.
Sin embargo, la historia aquí es lo de menos, y nos invita a sentirla en plenitud, con sus imágenes sugerentes e inquietantes, y una banda sonora (ruidos, sonidos, música) potente y significativa. Nuevamente, como en Terciopelo azul, lo extraño, lo absurdo, lo inexplicable, invade el mundo cotidiano y “normal”. El policial negro, una de las tantas facetas con las que cuenta el film, aparece sobre todo en la segunda parte de la historia, con la fría y manipuladora rubia interpretada por Arquette. Y también, dentro de la mezcla de géneros con la que Lynch gusta de condimentar sus historias, aparecen el terror, el thriller y el misterio.
Una historia sencilla (The straight story. 1999)
Basada en una historia real y financiada por la última productora imaginable para un director como Lynch, la Disney, estamos frente a la más amable y afectiva de las películas de este director, por lo menos en su superficie.
En Una historia sencilla, vamos a encontrar algunos elementos opuestos al de las películas anteriores de Lynch:
Una narración con una sola historia lineal y sin mezcla de géneros.
Un “Happy end” más cercano al estilo de finales hollywoodenses.
Una historia más realista.
Un protagonista casi único.
Aunque también vamos a encontrar otros elementos afines al mundo lynchiano:
La descripción de la América “profunda”, con sus personajes y paisajes.
La escena surrealista de los ciervos.
La escena del comienzo, muy parecida en estilo a la de Terciopelo azul.
El uso de la banda sonora.
Si bien es una película luminosa, tiene, como no podía ser de otra manera en Lynch, su lado opaco, ya que el protagonista lleva consigo una carga de oscuridad en su interior, que nos va develando a medida que se encuentra con otros personajes (la muerte de un nieto a su cargo, su alcoholismo, el profundo distanciamiento con su hermano, el asesinato involuntario de un compañero en la guerra)
CLASE 4
El camino de los sueños (Mulholland Dr. 2001)
Pensada inicialmente como una serie para la televisión y rechazada como tal por los estudios, Lynch encontró financiación en Francia para producir con ese material y algunos agregados, un largometraje.
El camino de los sueños tiene todos los elementos a los que Lynch nos tiene acostumbrados, aunque no faltan sorpresas y personajes delirantes e imposibles.
Lo que subyace debajo de la superficie; en este caso la mafia oscura y tenebrosa debajo del glamour hollywoodense, el tema del doble, el cruce de géneros, que va desde el terror, pasando por el noir, la comedia absurda y el drama romántico. También hay un vaquero misterioso, un club muy particular, un hombre que sueña
De la misma forma que Mulholland Drive serpentea desde Los Angeles hasta las colinas de Hollywood, Lynch teje con los hilos de los sueños de la ciudad del espectáculo una historia llena de personajes misteriosos y difíciles. Betty (Naomi Watts - “Tank Girl”) llega a Los Angeles decidida a convertirse en estrella. Adam (Justin Theroux - American Psycho) es un joven director de moda que descubre que la Mafia es la que manda en su película.Rita (Laura Herring - “Exit to Eden”) es una joven enigmática que pierde la memoria tras un accidente de coche en el que resultan muertos dos hombres que aparentemente retenían a la joven contra su voluntad. Sin saber quién es, elige un nuevo nombre cuando ve el cartel de una película de Rita Hayworth. Lynch muestra cómo la capital del cine permite a las personas moldear su identidad: “Quieres saber de verdad quién eres y la amnesia se parece de alguna manera a la interpretación. Un gran actor o una gran actriz renuncia a su propia identidad y se convierte en otra persona. Todo el mundo, incluso yo, a veces tiene ganas de perderse y entrar en un mundo nuevo. El cine te da esa oportunidad”.El director conoce bien la historia y tradiciones de Hollywood. Dio un papel secundario a Ann Miller, la coprotagonista junto a Fred Astaire de “Easter Parade”, y evoca la época posguerra con los nombres de sus personajes principales: Betty y Rita. Explica la fascinación que ejerce Hollywood al decir lo siguiente: “Todo el mundo anhela no necesariamente la fama sino la oportunidad de expresarse y es algo que me encanta de Los Angeles”.
