dale cine

ACTIVIDADES DE DALE CINE AGOSTO 2008

CURSO “EL MUNDO DE BUÑUEL: DIOS, MUERTE, MUJERES, VINO Y SUEÑOS”

Curso dictado por Sergio Zadunaisky

"Una película, salvo que sirva para pasar el rato, siempre debe defender y comunicar indirectamente la idea de que vivimos en un mundo brutal, hipócrita e injusto". (Luis Buñuel)
“Creo que en todas mis películas existe un profundo sentimiento religioso. Tampoco es extraño, pues tal como ya dije, lo que más ha influido en mi vida ha sido mi educación católica en la infancia y posteriormente mis experiencias con el surrealismo. Todo lo que hago debe estar influido por estas dos tendencias espirituales, por lo que, evidentemente, todas mis películas aparecen como dominadas por los temas religiosos.” (Luis Buñuel)

Programa

Clase 1

Infancia y formación de Luis Buñuel. Los jesuitas. La Residencia de Estudiantes. Lorca,  Alberti y la “Generación del 27”. Su vocación por la entomología. Relación con Salvador Dalí y los surrealistas. Tres películas polémicas y escandalosas. Su estadía en los Estados Unidos.

Films citados: El  perro andaluz. La edad de oro. Tierra sin pan.

Clase 2

La etapa mexicana, entre el melodrama, el psicoanálisis y el surrealismo. Filmar y subvertir los géneros. El retrato impiadoso de la humanidad: pobres y burgueses bajo el mismo yugo. Paranoia y represión sexual.

Films citados: Los olvidados. Susana. El bruto. Él. Ensayo de un crimen. El ángel exterminador.

Clase 3

Religión versus fantasía. La inutilidad de la caridad cristiana. Erotismo y el fetichismo en los personajes de Buñuel. Las reflexiones sobre el dominio y la servidumbre humanas.

Films citados: Nazarín. Simón del desierto. Viridiana. El diario de una camarera. Belle de jour. Tristana.

Clase 4

La implacable lógica onírica del surrealismo. La vida social burguesa como un espectáculo singular. El fantasma de la censura. El azar como rector de la vida. Un provocador nato hasta el último aliento.

Films citados: El discreto encanto de la burguesía. El fantasma de la libertad. Ese oscuro objeto del deseo.

El curso de Luis Buñuel se dictará en el barrio de Belgrano desde el sábado 2 de agosto, a las 17.15 horas, durante cuatro sábados consecutivos. La dirección donde se desarrollará el mismo se les dará a aquellos que se inscriban previamente.

¿QUÉ ES EL CINE?
Curso de estética, lenguaje e historia del cine

El cine muchas veces nos relaja, nos desconecta, y otras nos ayuda a ver las cosas de otra manera, haciéndonos pensar sobre nosotros mismos y la realidad que nos rodea. ¿Qué es el cine? es un curso abierto a  aquellos espectadores con ganas de adquirir las herramientas de análisis a la hora de enfrentarse a un film.
La dinámica de las clases está dada por una variedad de ejemplos con escenas de películas de diferentes épocas, géneros y nacionalidades, que abarcan desde Metrópolis (Fritz Lang) hasta Terminador 2 (James Cameron), desde Caro Diario (Nanni Moretti) a Terciopelo azul (David Lynch), pasando por títulos como Dogville (Lars Von Trier), Caché, escondido (Michael Haneke) y Un oso rojo (Adrian Caetano), entre muchos otros títulos.
El objetivo es que los participantes adquieran nociones básicas sobre la puesta en escena, el montaje, la estructura dramática y el uso de la banda sonora, entre otros elementos técnico-expresivos de las películas. También tomaremos al cine como un lenguaje artístico insertado en la sociedad,  y veremos ejemplos de las vanguardias y corrientes más importantes, los recursos del cine documental, el falso documental y del llamado cine de propaganda. Finalmente, tomaremos un largometraje que será analizado entre todos, para aplicar los conceptos aprendidos.

Modalidad de trabajo

Clases de dos horas. Exposición teórica con apoyo de material audiovisual (películas, publicidades, video clips), análisis y debate.
 

Contenidos
 
El cine y sus orígenes

Relación del cine con otros lenguajes artísticos:
La fotografía
El teatro
La pintura
La “impresión de realidad”: El mecanismo de identificación con el film

Elementos del texto cinematográfico

La puesta en escena: la mirada del director sobre el mundo.
Los Personajes: motores de la historia
Utilización de la escenografía como elemento dramático
La banda sonora también nos cuenta la historia
El Montaje: Elemento decisivo para crear un tiempo y un espacio en un film

Estructura

Por qué el film clásico precisa una estructura
La estructura dramática en tres actos
Qué ocurre con la estructura en el cine moderno

El cine y la manipulación de la realidad

Características del cine documental: Un cine no tan realista como parece
El cine de propaganda
El documental apócrifo

Géneros y estilos

Los géneros clásicos del cine americano: Conceptos y orígenes
Estudio de algunos géneros: El Western, el Poli cial, el Melodrama
El uso de los géneros en la era posmoderna: David Lynch y los hermanos Coen

Movimientos históricos del cine

Vanguardias y movimientos cinematográficos:
El Surrealismo
El Expresionismo
La Nouvelle Vague

Aplicación de conceptos

Análisis de un largometraje entre todos los participantes
Conclusiones finales

·         El curso ¿Qué es el cine? comienza el martes 12 de agosto a las 20.15 horas en el barrio de Belgrano. Dura 2 meses. El costo es de 130 pesos por mes.

      
ESPACIO PROMETEO & DALE CINE PRESENTAN

 

CINE EN PANTALLA GRANDE
Coordinado por Sergio Zadunaisky, especialista en cine

 

Espacio Prometeo y Dale Cine te invitan a ver en pantalla grande “La visita de la banda”, coproducción franco- israelí de 2007 dirigida por Eran Korilin. La propuesta es para el viernes 02 de agosto a las 20.30 horas en Espacio Prometeo, Matienzo 1642. Al término de la proyección haremos un debate mientras tomamos una rica copa de champagne o vino.

 

Duración de la película: 90 minutos.
 
Costo: 20 pesos por persona.

 

Capacidad limitada. Se ruega hacer reservas con anticipación al 5778-1858

 

SOBRE LA PELÍCULA

 

Una banda policial de la ciudad de Alejandría recala en Israel para realizar  un concierto en la inauguración de un centro cultural árabe. El teniente coronel Tewfiq, director del curioso grupo de músicos/militares, descubre al llegar que un error burocrático los ha dejado en el lugar equivocado, ya que allí no hay ningún centro cultural ni nada parecido.  

 

 

Tewfig pide auxilio a gente del lugar y gracias a Dina y a un grupo de personas solidarias (y solitarias), podrá pasar el mal trance junto a su banda. En solo un día los lazos entre ambos “grupos” se estrechan y juntos, descubren que sus necesidades y preocupaciones son bastantes similares y que las diferencias culturales no son tan contrastantes. “La visita de la banda” es una película sin discursos rimbombantes ni grandes pretensiones, que logra decir con sutileza, humanidad y encanto, muchas más cosas que otros filmes sobre un tema tan complejo y urticante como la situación en Medio Oriente.

ESPACIO PROMETEO & DALE CINE PRESENTAN
CINE EN PANTALLA GRANDE
Coordinado por Sergio Zadunaisky, especialista en cine
Espacio Prometeo y Dale Cine te invitan a ver en pantalla grande “La comedia de la vida”, película sueca de 2007 dirigida por Roy Anderson, exhibida en el último Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI). La propuesta es para el viernes 11 de julio a las 20.30 horas en Espacio Prometeo, Matienzo 1642. Al término de la proyección haremos un debate mientras tomamos una rica copa de champagne o vino.
Duración de la película: 95 minutos.
 
Costo: 20 pesos por persona.
Capacidad limitada. Solo con reservas. 5778-1858 / 154 178 2080.
SOBRE LA PELÍCULA
Los sueños y pesadillas de la sociedad de hoy toman vida en la tragicomedia de Roy Andersson “Du levande” (Tú, que vives, o también La condición humana, que de ambas formas se ha titulado. Como su film ganador de Cannes anterior “Sånger från andra våningen” (las Canciones del Segundo Piso, de 2000), su modelo particular de comedia negra Nórdica llevó varios años para su desarrollo y va a encantar al público de nuevo por todo el continente.
Los personajes en las películas de Andersson no son tanto protagonistas como las caras de reconocibles sujetos de una escena típica, siempre filmado con una cámara estacionaria y un ojo infalible para el detalle. En una de las primeras viñetas de la película, Mia, una mujer fornida que se sienta en un banco del parque, lamenta que nadie la entiende, incluso su amante o su perro. Para subrayar el efecto, ella arranca a cantar haciendo levantar las cejas de un transeúnte que mira furtivamente a través de los árboles.


Filmado en tonos pasteles y con los interiores ligeramente neblinosos, la película crea su propio punto de vista paralelo y ligeramente oblicuo como ya hizo en su película anterior Andersson (y las películas de Aki Kaurismäki del neighbouring Finlandia). La llave de su éxito es que sus mundos son reconocibles porque reducen el mundo real a sus esencias desnudas sin componer sus personajes. Su humor viene a menudo de la simple observación de lo que las personas alrededor nuestro hacen todos los días. Las situaciones no son muy absurdas; simplemente son los momentos insignificantes de la vida real presentados como el acto principal que revela las personalidades reales y preocupaciones de las personas que los llevan a cabo, con una claridad que tantos dramas se esfuerzan por conseguir pero raramente logran.
Según nuestro criterio, ésta ha sido la joya del Festival. Un guión inteligente y distinto, lleno de creatividad, junto con una iluminación igualmente creativa, unos actores que han entendido perfectamente y han hecho suya la propuesta, unos escenarios calculados al milímetro, y un largo etcétera de cualidades marcadas por la creatividad y el trabajo ( a lo largo de cuatro años ) han dado como resultado una película de las que pasan directamente al album de joyas del cine.

Crítica de la película exhibida en el Festival de Cine de Sevilla extraído de la revista “Escáner cultural” http://revista.escaner.cl/

FEDERICO FELLINI,  POESÍA Y EXCESOS DE UN GRAN MENTIROSO
Curso de cine dictado por Sergio Zadunaisky

Histriónico, imprevisible, tierno, sensible, ingenioso, mordaz... son solo algunos de los adjetivos con los que se ha definido al maestro Federico Fellini. Creador de un universo cinematográfico mágico y poético de un marcado carácter autobiográfico, Fellini es uno de los directores más controvertidos e imitados de la historia. Sus filmes presentan un mundo en el que la remisión a una realidad que coexiste con lo fantástico es la condición misma de la existencia de unos personajes situados a medio camino entre lo cotidiano, lo grotesco y el delirio poético. Para el italiano, no es necesario que las cosas que se ofrecen sean auténticas, lo que debe serlo es la emoción que se advierte cuando se ve, cuando se expresa. Su vasta influencia llega a directores de la talla de Martín Scorsese, David Lynch, Emir Kusturica, Woody Allen, Wes Anderson y Tim Burton, entre otros.

En este curso analizaremos sus filmes más importantes, proyectados en pantalla grande, en donde podremos ver su recorrido desde las fuentes del Neorrealismo Italiano hasta la consolidación de un lenguaje propio, que llegaría a convertirse en una verdadera marca registrada (lo comúnmente denominado "Fellinesco"). También fragmentos de películas de otros directores relacionados y el documental "Soy un gran mentiroso", sobre el propio Fellini.

Películas de Fellini que se analizarán en el curso:

Clase 1: sábado 5 de julio

-El sheik (1952)

Un joven matrimonio llega a Roma en viaje de luna de miel, pero la chica -fanática de las fotonovelas- se pierde en la ciudad buscando a su héroe y amor imposible, el Sheik Blanco, interpretado por Alberto Sordi. Mientras, su esposo la busca a ella y por separado tienen toda clase de aventuras, ridículas o extrañas. Comedia negra que se ríe de la devoción popular a las estrellas, El Sheik Blanco es considerado por muchos como el primer gran filme de Fellini. En el guión colaboró un entonces desconocido Michelangelo Antonioni.

-Los inútiles (1953)

Fellini nos cuenta la no-vida de un grupo de jóvenes habitantes de una ciudad de provincias en la Italia de los ´50. Ya pasada la posguerra y con el país en plena recuperación, pero aun con miseria y necesidad, el director nos acerca a ver de cerca a un grupo de jóvenes que nunca han conocido el hambre o el sufrimiento. Su vida consiste en salir de fiesta por la noche, al bar o el billar, intentar ligar con alguna de las chicas del lugar, llegar tarde por la noche, dormir hasta el mediodía, y repetir la misma rutina día tras día. Solo uno de ellos puede tomar conciencia de la realidad en que vive para tomar una decisión que le cambie su vida.

Clase 2: sábado 12 de julio

-La strada (1954)

Recorriendo el mundo con su espectáculo, el vigoroso Zampanò conoce por casualidad a una pobre y numerosa familia campesina, que le vende por poco dinero a la graciosa Gelsomina. Violento y posesivo, Zampanò obliga a la chica a acompañarlo en sus actuaciones, en las cuales la ridiculiza sin escrúpulos mientras él parte cadenas ante un público incrédulo.

La Strada es una de las películas de Fellini, que pertenecen a la etapa más cercana al neorrealismo en la carrera del cineasta. Período que comprende desde la película Luci dil varietà (1950) hasta la La dolce vita,(1961).

-La dolce vita (1960)

"La dolce vita es el primer gran film "social" de Fellini, su primer gran retablo histórico, su primer intento también de hacer un retrato que aúne simultaneidad y pluridimensionalidad. (...) Es el inicio de su obsesión de hacer un film-fresco que pueda ser abarcado en sus múltiples detalles con un solo golpe de vista. El objetivo elegido es la sociedad italiana que eufóricamente deja la década de los cincuenta, que quiere olvidar definitivamente el horror de la guerra y la miseria de la posguerra, que pretende construir un sistema de vida basado en la irresponsabilidad, el confort y la relatividad moral, que quiere tapar sus desgarrones con la doble moral y el silencio censor". (Brunello Rondi, guionista de La Dolce Vita).

Clase 3: sábado 19 de julio

-Fellini  8 ½ (1963)

Aunque su título original iba a ser "La bella confusione(la bella confusión)" Fellini lo dejó simplemente en "8 y 1/2", ya que esta película según el propio cineasta, hacía la número 8 y medio en su filmografía, contando con que su anterior obra, "Bocaccio 70" fue un proyecto "sui generis" en el que 4 directores italianos; Vittorio De Sica, Mario Monicelli, Luchino Visconti y el propio Fellini acometieron la tarea de adaptar a la gran pantalla historias del celebérrimo poeta toscano, Bocaccio...
Fellini, en este retrato semi-autobiográfico (con Fellini nunca sabemos qué es verdad y qué no) nos habla a su manera del conflicto creativo de un autor (Marcello Mastroianni, su alter ego ideal) en plena etapa de confusión, tal y como quería darnos a entender su titulación original...
Películas como "Stardust Memories" y en menor medida "Los secretos de Harry", ambas de Woody Allen son evidentes deudoras de la forma y fondo de esta emblemática cinta del director italiano.

-Amarcord (1973)

Película realizada por Federico Fellini, entre Roma (1972) y Casanova (Il Casanova de Federico Fellini, 1976), vista hoy en día, continúa revelándose como un hito; una crónica nostálgica y personal, impregnada de la poesía y de la dosis de surrealismo tan propia de sus obras, que abraza sin ningún tipo de pudor la adolescencia del propio autor. Con 53 años a su espalda, el viejo Fellini regresaba a una región casi irreconocible por la bruma que el paso del tiempo había depositado en ella, el territorio de su infancia y juventud. En Amarcord, Fellini echó mano a sus recuerdos infanto-juveniles para elaborar una obra de un marcado tono nostálgico. Sin embargo, el recuerdo poco tiene que ver con un testimonio fidedigno del pasado. En el recuerdo, la imaginación disfruta de espacios abiertos para campar a sus anchas. El pasado puede ser evocación de un tiempo que no regresará jamás. No obstante, esta verdad de Perogrullo no esconde que, en ocasiones, la mentira se pueda convertir en la proyección del presente porque vemos lo que ocurrió, no como de verdad aconteció, sino embriagados por el aroma de la idealización -cosa ésta, bastante más atractiva que la propia realidad.

Clase 4: sábado 26 de julio

-Y la nave va (1983)

"Hay quien ha querido ver en Ensayo de orquesta, La città delle donne, E la nave va, Ginger e Fred, La voce della luna, variaciones metafóricas sobre la situación política de Italia, sobre la sensación de inminente colapso del sistema, sobre la pérdida de capacidad comunicativa, sobre el triunfo de los rumores y de un caos irreversible.

El velo fúnebre que poco a poco se extiende sobre la escena felliniana nace también del proceder sincrónico, de catástrofe en catástrofe, hasta alcanzar dimensiones apocalípticas. E la nave va, por ejemplo, predice la llegada del íncubo nuclear y sugiere, mediante sólo dos elementos, el hombre y el rinoceronte, una versión minimalista del arca de Noé. Es el fin del mundo, que Italo Calvino señala como uno de los temas más recurrentes del último Fellini. De entre sus películas, E la nave va es quizá la más explícita en este sentido, pero también la que menos quiere imponer este tipo de pathos. Como si todos hubiéramos comprendido que el fin del mundo es nuestro hábitat natural y no pudiéramos imaginarnos una forma distinta de vivir. Aunque durante más de una década Fellini se enfundó los hábitos de una Casandra mediática, también tuvo la capacidad de seguir confiando en el futuro del cine y en la posibilidad de hacer películas y de conseguir encontrar siquiera un punto de fuga y de salvación, una isla en la que refugiarse junto con sus personajes y continuar dando vida a los fantasmas de su imaginación."

Gian Piero Brunetta, en Dizionario dei registi del cinema mondiale, Einaudi, 2005.

-Ginger y Fred (1986)

Fiametta Profili, asistente personal de Fellini, asegura que en los últimos años, el director italiano (siempre dispuesto a la improvisación, gustase esto o no a sus actores) sólo escribía historias de una página y que los productores tenían que elaborar la película a partir de ahí. No es difícil imaginar que fuese eso mismo lo que precisamente ocurrió con Ginger y Fred, una película construida en torno a una idea básica, el reencuentro de Amelia y Pippo, dos bailarines, que en su época de gloria formaban una inseparable pareja que imitaba al dúo de baile por excelencia, Fred Astaire y Ginger Rogers, pero que no se ven desde hace treinta años, tras truncarse su relación profesional. El motivo de la reunión: la participación de ambos en un programa especial de Navidad. La pareja protagonista es también la pareja de actores favorita de Fellini, que sin embargo no había compartido antes la pantalla: su esposa, Giuletta Masina, y Marcello Mastroianni. Era Claudia Cardinale la que decía que Mastroianni era el actor preferido de Fellini, además de su mejor amigo, para terminar concluyendo que ambos eran una misma persona. Desde este singular punto de vista también sería posible contemplar el reencuentro ficticio de Ginger y Fred como el reencuentro real de Masina y Fellini como director y actriz en una misma película, algo que no sucedía desde hacía veintiún años, con Giulietta de los espiritus (Giulietta degli spiriti, Federico Fellini, 1965). Quizá sea precisamente por eso, Masina desprende un aura especial con la que logra componer un personaje auténticamente conmovedor.

Películas de otros directores relacionadas en mayor o menor medida con el universo de Federico Fellini:             

El gran pez (Tim Burton), Terciopelo azul (David Lynch), Stardust Memories (Woody Allen), Underground (Emir Kusturika), Calles salvajes (Martin Scorsese), La casa de los engaños (Andrei Konchalovski), Vida acuática (Wes Anderson).

Lugar: Juramento y O´higgins (La dirección exacta se dará solo a aquellas personas que se inscriban en el curso).

Día y horario: Sábados de 17.15 a 19 horas

Arancel: 130 pesos.

Informes e inscripción: dalecine@gmail.com / 154 178-2080

ESPACIO PROMETEO & DALE CINE PRESENTAN
CINE EN PANTALLA GRANDE
Coordinado por Sergio Zadunaisky, especialista en cine
Espacio Prometeo y Dale Cine te invitan a ver en pantalla grande “Persépolis”, película francesa dirigida por Marjane Satrapi, ganadora del Gran Premio del Jurado en Cannes en 2007, Globo de Oro al mejor film extranjero y del “César” a la mejor ópera prima y mejor guión adaptado ese mismo año. La propuesta es para el viernes 20 de junio a las 20.30 horas en Espacio Prometeo, Matienzo 1642. Al término de la proyección haremos un debate mientras degustamos una copa de champagne o vino.

Duración de la película: 95 minutos.

 
Costo: 20 pesos por persona.

Capacidad limitada. Solo con reservas. 5778-1858 / 154 178 2080.

SOBRE LA PELÍCULA
Película de una gran sensibilidad y con un irónico sentido del humor que abre una puerta a la esperanza, la película nos muestra que Irán no es la cuna del mal ni Europa es el paraíso de la bondad. Basada en un exitoso cómic autobiográfico de la iraní Marjane Satrapi, Persépolis fue trasladada a la pantalla en forma de dibujos animados, respetando el código de cómic y con las voces de, entre otros actores, Catherine Deneuve, Chiara Mastroianni, Danielle Darrieux y Simon Abkarian. La película encuentra momentos para homenajear a Edward Munich y a Pablo Picasso y se relaciona con Mafalda y a Juno, el personaje de la recientemente estrenada La joven vida de Juno, ya que Marjane, como estos dos personajes, no deja de decir y hacer lo que siente y piensa, a pesar de los obstáculos que se interponen en su camino.

Crítica de la película en Dale Cine: http://dalecine.blogargentina.com/3068292/
Página oficial en español de Persépolis: http://www.persepolislapelicula.es/

El sueño de Cassandra (Woody Allen, 2007)

Con “El sueño de Cassandra”, Woody Allen se despide de Londres cerrando una trilogía que comienza con “Crímenes y pecados” (1989) y continúa con “Match – Point” (2005). Desde la cima hasta el ocaso, estas tres obras se centran en el tema de la culpa, el azar, el destino y la mentira, bañadas de un pesimismo y misantropía cada vez mayor. En la primera, obra cumbre de la carrera del neoyorkino, la doble vida de un exitoso oftalmólogo que para no caer en desgracia decide mandar a matar a su amante antes de que ella lo denuncie, la obra “Crimen y Castigo”, de Fedor Dostoievski, aparece como un fiel reflejo de una historia que equilibra de manera casi perfecta el humor de pura cepa alleniana con el drama e incluso el thriller. La misma novela de Dostoievski vuelve a aparecer citada con mayor énfasis en “Match-Point”, aunque los resultados esta vez no hayan sido del todo satisfactorios. Costaba reconocer al director, que desaparecía por momentos en trazos del filme donde su firma de autor se diluía y decoloraba. En “El sueño de…” la obsesión de Allen vuelve a cobrar vida, pero sin encanto ni vigor. Y si bien es cierto que Allen se repite en muchas de sus películas, siempre lo hace con una vuelta de tuerca sobre sus pasos anteriores. Acá no hay sorpresa ni vuelo, sí un sabor a comida pasada y recalentada varias veces.

 

Es raro que una película de Allen no tenga nada (pero nada) para rescatar. Una de mis frases favoritas es “cualquiera de las películas de un Allen, por más que sea mediocre, estará por arriba de la media de casi cualquier otro director”. Siempre está ese “toque” que las distingue del resto y hace que valga la pena correr al cine para ver un Allen en pantalla grande. Pero debo decir que en esta cinta no puedo hallar el placer que encontraba en “Annie Hall”, “Zelig”, “Hannay y sus hermanas” o en obras “menores” como “Misterioso asesinato en Manhattan”. El tono solemne y pomposo de Allen termina por cansar y aburrir. Será cuestión de ver “Vicky Cristina Barcelona”, que según dicen, es más fresca y liviana y menos pretenciosa. Mientras tanto, corro al video para rever “Interiores” y “El dormilón”.
Sergio Zadunaisky

ESPACIO PROMETEO & DALE CINE PRESENTAN
CINE EN PANTALLA GRANDE
Encuentro coordinado por Sergio Zadunaisky, especialista en cine.

Espacio Prometeo y Dale Cine te invitan a ver en pantalla grande CARAMEL, un relato coral sobre el universo femenino en el cual cinco mujeres desgranan sus historias de amor, desencuentro y pasiones encontradas en el Líbano actual. La propuesta es para el viernes 30 de mayo a las 20.30 horas en Espacio Prometeo, Matienzo 1642. Al término de la proyección haremos un debate mientras degustamos una copa de champagne.

 

Duración de la película: 95 minutos.
 
Costo: 20 pesos por persona.

Capacidad limitada. Solo con reservas. 5778-1858 / 154 178 2080.

SINOPSIS
En Beirut, cinco mujeres coinciden habitualmente en un salón de belleza, un microcosmos lleno de colorido y sensualidad en el que varias generaciones se encuentran, hablan y se hacen confidencias. Layal ama a Rabih, pero Rabih está casado. Nisrin es musulmana y su próximo matrimonio plantea un problema: ella no es virgen. Rima está atormentada por la atracción que siente por las mujeres y vive al ritmo de las visitas de una bella cliente de largos cabellos. Yamal se niega a envejecer. Rose ha sacrificado su vida para ocuparse de su hermana mayor.
En el salón de belleza, los hombres, el sexo y la maternidad se sitúan en el centro de sus conversaciones íntimas y liberadas, entre cortes de pelo y depilación con una pasta caramelizada de azúcar, agua y limón.

SOBRE LA PELÍCULA
La mayoría de las películas libanesas solían tocar temas que giraban en torno a la guerra civil de 1975 a 1990, que destruyó gran parte del entramado social del país. En una industria cinematográfica que está tradicionalmente dominada por el tema bélico, “Caramel“, Opera Prima de la directora libanesa Nadine Labaki, rehuye el conflicto y, en cambio, pone a la luz dilemas sociales a los que se enfrentan las mujeres libanesas.
La película está apoyada de forma magistral en una banda sonora compuesta por Khaled Mouzanar, en la que se dan la mano Oriente y Occidente, con toda la riqueza que puede salir de ese encuentro, y que se termina por convertir en un personaje más. Además apoya de forma magistral la enorme sensualidad que desprende toda la película, en la que la directora nos transmite los colores, los olores que se generan en el interior del salón de belleza, y la alegría de vivir que les queda a los libaneses en general y a las mujeres en particular.

Labaki dijo sobre su película: “Si tuviera que resumir esta película diría que es la historia de cinco mujeres libanesas, cinco amigas de distintas edades que o bien porque trabajan allí o bien porque acuden a él, se reúnen en un salón de belleza en Beirut. Y podría añadir que, en ese mundo tan típicamente femenino, estas mujeres, que sufren la hipocresía de un sistema oriental ante la modernidad occidental, se ayudan mutuamente con los problemas que encuentran en relación con los hombres, el amor, el matrimonio y el sexo. Hoy en día, en esa parte del mundo, Líbano aparece como ejemplo de una sociedad abierta, libre y emancipada. Pero eso no siempre es cierto, porque detrás de esa fachada seguimos sujetos a muchas coacciones, al miedo permanente a las miradas de los demás y a los juicios que hagan sobre nosotros. En este contexto, las mujeres libanesas se consumen por el remordimiento y la culpa. En la peluquería y salón de belleza, mis heroínas se sienten a salvo, porque es un lugar en el que, aunque se las ve desde un ángulo muy íntimo, nunca se las juzga.”

El viernes pasado Dale Cine y Espacio Prometeo realizaron la primera proyección conjunta de cine en pantalla grande con My Blueberry Nights, el último film de Wong Kar-Wai, con Norah Jones, Jude Law y Natalie Portman. El lugar fue colmado por ansiosos espectadores, algunos conocedores ya de la obra del director chino y otros que se acercaron por primera vez a una de sus obras. Más de cuarenta personas colmaron las instalaciones y una vez finalizada la proyección, se sirvió una copa de champán a los asistentes, se realizó una charla sobre la película coordinada por Sergio Zadunaisky y se llevó a cabo el sorteo del cd original de la banda de sonido.

Invitamos a los que concurrieron a dejar sus comentarios en este blog.

La función fue un éxito, por lo que pronto habrá más novedades de Dale Cine en Espacio Prometeo, con funciones de películas para adultos y también para los más chicos.

 

ESPACIO PROMETEO & DALE CINE PRESENTAN

CINE EN PANTALLA GRANDE

Encuentro coordinado por Sergio Zadunaisky, especialista en cine.

Espacio Prometeo y Dale Cine te invitan a ver MY BLUEBERRY NIGHTS, la nueva película de Wong Kar-Wai, con las actuaciones de la cantante Norah Jones, Jude Law y Natalie Portman. La propuesta es para el viernes 16 de mayo a las 20.30 horas en Espacio Prometeo, Matienzo 1642. Al término de la proyección haremos un debate mientras degustamos una copa de champagne.

Duración de la película: 100 minutos.

Costo: 20 pesos por persona.

Capacidad limitada. Solo con reservas. 5798-1858 / 154 178 2080.

SINOPSIS

La joven Elizabeth, luego de padecer una ruptura sentimental, se embarca en un viaje a través de América para cicatrizar sus heridas. En su camino, se encontrará con otros personajes que también sufren por amor y le harán madurar y reflexionar sobre lo perdido, pero también por lo nuevo que está por venir y que podría conquistar.

SOBRE LA PELÍCULA

Primera película filmada en los Estados Unidos y hablada en inglés del director de Chungking Express y Con ánimo de Amar, My blueberry nights tiene todos los temas de sus películas anteriores, entre ellos el de los desencuentros y reencuentros amorosos, la soledad y el paso del tiempo y las heridas que éste deja en sus personajes. Wong Kar-Wai es uno de los directores más sensuales del mundo a la hora de plantear sus historias y ésta no es la excepción, imagen y sonido (la banda musical es maravillosa) se conjugan de manera magistral en lo que es un festival para los sentidos.
Trailers de la película en http://www.moviecentre.net/upcomingmovies/movie_trailers.php?Pid=2331&Id=171

 

I´m a cyborg, but that´s Ok

(Corea, 2006)

Dirigida por Park Chan-Wok, con Su-jeong Lim, Rain, Hie-Jin Choi.

Luego de la "trilogía de la venganza" (Sympathy for Mr. Vengeance, Old-boy y Sympathy for Lady Vengeance) Park Chan-Wok decidió tomarse un respiro haciendo una comedia romántica. Bueno, lo de comedia romántica viniendo del director que viene y del país de origen, no debe leerse tan literalmente. La historia transcurre en un hospicio, donde una chica, Cha Young-goon, convencida de ser un cyborg, pasa sus días junto a otros internos. 
En esta película la historia es bastante lineal, con bruscos cambios de tono y de registro, en donde realidad y fantasía se encuentran bien diferenciadas. Algunas imágenes recuerdan a "Criaturas celestiales", de Peter Jackson o a películas de hospitales siquiátricas como "Atrapado sin salida", dirigida por Milos Forman, "Hombre mirando al sudeste", de Eliseo Subiela y "La casa de los engaños", de Andrei Konchalovski. La locura de los personajes le sirve a Chan-Wok de coartada para trabajar imágenes surrealistas, poéticas.

"Un cyborg no debe comer", dice la chica a sus médicos y guardias, y sin saberlo comienza a dejarse morir de inanición. Un chico que también está internado, hará lo posible porque vuelva a alimentarse. Y casi si querer se enamora de ella. Así, el director transita por un camino conocido pero dándole a su historia rasgos personales y de una gran belleza formal. Una de las marcas de autor vistas en películas anteriores, la violencia estilizada con fondo de música clásica, aparece en las escenas donde la chica, convertida literalmente en un cyborg, asesina a todo aquel que lleve guardapolvo blanco. Única marca reconocible, quizás, relacionada con formas ya experimentadas en su trilogía de la venganza.

I´m a cyborg es también una película sobre la madurez, la época de transición de la adolescencia a la edad adulta y las relaciones familiares. Cha Young-goon, por un mandato materno, guarda celosamente un secreto, el de su identidad como máquina y se relaciona fuertemente con su abuela, mujer que fue sacada de su casa y llevada en una ambulancia cuando ella era más chica. La anciana intentó decirle algo, pero nunca llegó a completar la frase: "el propósito de tu existencia es...".  Ella deberá encontrarlo por su cuenta.

La película demuestra que el director coreano puede filmar con sabiduría la historia que le venga en gana, con total dominio formal sobre el material tratado y que puede seguir sorprendiendo a los espectadores con recursos de una gran inventiva e imaginación.

Sergio Zadunaisky